Agustín Toscano, director y guionista de “El motoarrebatador”

La acción se desarrolla en la provincia de Tucumán, en el norte argentino, en medio de la agitación social -real- ocurrida en 2013, cuando la policía hizo una huelga de tres días que se tradujo en caos y saqueos; Miguel maneja una moto con la cual realiza robos en la vía pública junto a otra persona, y Elena es una mujer que termina lastimada en el intento de robo. Tras este incidente, Miguel visita a Elena en el hospital y se entabla una particular relación. “El motoarrebatador” es una producción de Murillo Cine y Rizoma, en coproducción con la uruguaya Oriental Features, que Cinetren estrena en veinte salas del país. LatAm cinema entrevistó a su director.

El conflicto social es un tema presente y latente durante toda la trama, pero el foco de la historia está puesto en la relación que se establece entre sus personajes centrales, para hablar de arrepentimiento, e incluso soledad. ¿Qué te motivó a contar esta historia desde esta mirada particular?

Me motivó principalmente entender estas dos miradas, la de Miguel, el motoarrebatador del título, y Elena, la mujer a la que arrastran para robarle el bolso y pierde la memoria con el impacto. Se trata de un ladrón particular que siente remordimiento por lo que hizo e intenta remediar el daño causado. Y se trata de una víctima particular también, que no recuerda nada según dice, pero que pronto nos vamos a enterar de que recuerda lo que le conviene y lo que quiere olvidar lo olvida. Es paradójico, porque él no puede olvidar y ella no puede recordar, o no quiere. Entonces empiezan una relación que va cambiando durante toda la película. Primero está teñida de desconfianza, después se va soltando y se transforma en un vínculo conveniente, quizás incluso llega a surgir amor entre ellos, pero después vuelve la desconfianza.

La película toma como escenario los hechos ocurridos en 2013, ¿cómo el guión fue permeándose o modificándose con los cambios sociales que han ocurrido desde entonces?

Durante esos días, no existió la ley. Y sobre todo durante esas noches algo cambió para siempre en las costumbres urbanas de San Miguel de Tucumán. A partir de esas fechas la mayoría de la gente empezó a quedarse encerrada, a poner rejas y alarmas en las casas, y a evitar las salidas a la calle. La televisión se transformó en la ventana que le contaba a los tucumanos lo que estaba pasando en las calles. Miles y miles de personas entraban y salían de los supermercados llevándose lo máximo que pudiera caber en sus manos. Bandas de motocicletas daban vueltas en la zona del próximo comercio a saquear. En ese estado empecé a escribir la película y de a poco ese contexto de saqueos y sedición policial fue infiltrándose en el cuento de Miguel. Las cámaras de seguridad, el humo, la ciudad semi-desierta; hay muchos elementos extraídos de ese contexto que usé dramáticamente en la historia central de Miguel y Elena. Quizás su relación es una metáfora de la sociedad y sus arrepentimientos. La película también habla de un cambio irreversible, de un giro inesperado del destino, pero dentro de la intimidad de ellos dos.

“El motoarrebatador” coquetea con el género, ¿cuáles han sido tus influencias en ese sentido?

Buñuel, Kurosawa, Hitchcock, Bergman, Wilder, Favio. Es imposible frenar el tren de las influencias cuando empiezo a contar los vagones. Sin embargo cuando hago una película trato de entender cuál es mi propio vagón. No trabajo pensando en otros directores, y menos pienso en términos de géneros o subgéneros. No soy muy amante de esa división, te confieso. Me gusta que en medio del drama surja el humor, que en la comedia llegue la parte dolorosa y también me interesa el suspenso como herramienta narrativa. Cuando elijo referentes para cada proyecto trato de alejarme de las referencias que tenía previas a esta nueva idea y esgrimo nuevos horizontes. Para “El motoarrebatador” me aferré a películas muy diversas que sentía que son familiares de la mía: “Electroma” de Duft Punk; “La Angustia corroe el alma” de Rainer Werner Fassbinder; “Pickpoquet” de Robert Bresson; “La vida de Jesús” de Bruno Dumont; “Rumble Fish” de Francis Ford Coppola; y “Mulholland Drive” de David Lynch.

Cuando se estrenó en Cannes me sorprendió leer más de una crítica que la relacionaba con Almodóvar y con los hermanos Dardenne. Sin dudas que la comparación es un halago para mí. Son cineastas que me encantan y que siempre tuve como referentes estéticos. Pero lo curioso es que no los tuve en mi equipo imaginario para esta película. Te diría que son más bien referentes de mi periodo “Los Dueños”. Sin embargo me pasó lo contrario cuando se comparó al personaje de Miguel con los de Kaurismaki. Esa sí es una referencia explícita en lo que hicimos en esta película. Tampoco me sorprendió que se la compare con “El Carterista” de Bresson. Si tengo que inscribirme en alguna tradición cinematográfica me anotaré en la “Internacional Bressonkaurismakiana”. Creo que el cine en minúsculas tiene algo muy poderoso que el cine en mayúsculas no logra ni siquiera presentar. En eso el finlandés ha actualizado los patrones del francés a nuestra contemporaneidad. Esas comparaciones no me sonrojan, sino que me enorgullecen.        

El rodaje fue realizado enteramente en Tucumán, tu provincia, donde hay escasa producción cinematográfica. ¿Cómo es rodar allí en términos de producción y también del trabajo con actores?

Tucumán hoy es un territorio muy fértil para hacer cine. Los actores son excelentes, casi todos tienen formación académica en actuación y dominan diversas técnicas expresivas. Participan muy activamente. Además la gente tiene una forma de vida que les permite reunirse muchas veces a ensayar y a preparar la película. Trabajé con emprendedores que están acostumbrados a trabajar como inversión. Apuestan tiempo y dedicación en cada obra que participan y eso luego se siente en el resultado final. Hay mucha expectativa en toda la sociedad tucumana con el cine, que empezó con “Los Dueños”. Tenemos a disposición una gran variedad de locaciones, de materiales y de ayudas, toda una red solidaria que se ha puesto como meta sostener el crecimiento del audiovisual en la provincia y yo como realizador me he visto muy beneficiado con esta transformación. Creo que cada año será más fácil hacer cine en Tucumán.