Romper el molde: debuts disruptivos en el Málaga Work in Progress Ficción

“Mi exploración es narrar un mundo sobre la reconstrucción y la búsqueda de identidad y pertenencia de una persona que acaba de recobrar la libertad. Libertad también como símbolo del anhelo de salir del estado de alienación en el que se encuentra debido al encierro. Contar el sinuoso camino de reinserción de una persona en la sociedad actual, que muchas veces condena lo diferente, margina lo que no comprende. El cine sobrevive al tiempo y al ser humano, con esta película busco que hombres como Baldomero tengan su pequeño retrato”. Pável Quevedo Ulláuri, director y guionista.

“Esta es una película sobre la pertenencia que arroja luz sobre el Brasil contemporáneo, un contexto de intolerancia y masculinidad donde se hace urgente reinventarse. A veces, quedarse, exige más coraje que partir”. Haroldo Borges, director.

“Con este film busco entender cómo nuestra humanidad puede prevalecer sobre los conflictos aparentemente mayores. Si bien la historia tiene un contexto político claro, busco restarle importancia a lo que dicen los líderes políticos, y darle prioridad a lo que hacen las personas de a pie. Estoy convencido de que nuestro bienestar depende de toda acción pequeña, que se vaya sumando a la siguiente. Por eso esta película narra el día a día de una joven wayuu, su lucha por sobreponerse, la capacidad de adaptación que trae en los genes, herencia de una etnia que ha soportado la segregación y el intento de exterminio. Hay más fuerza para mí en eso, que en un discurso de Maduro o de Trump”. David David, director.

“Después de muchos rodajes en la escuela de cine, en los que se asumen las lógicas de creación que las escuelas parecen estandarizar, comencé a aceptar lo que intuía desde un principio: aquellas maneras de trabajar no lograban, por alguna razón, producir aquello que en mis películas predilectas me conmovía. Y eso probablemente porque, a modo muy personal, lo que me parecía deslumbrante del cine no era la plástica de la imagen, los simbolismos, ni las construcciones narrativas, sino los momentos en los que lograba emerger la vida. La vitalidad que parecía envolver las locaciones reales, fotografiadas de manera honesta, a los actores secundarios sin preparación actoral, a todos los rostros del neorrealismo italiano, tan perdidos ante las cámaras como ante el mundo. Me di cuenta también que lo que necesitaba para nutrir el cine que quería hacer era ver menos películas y mirar más el mundo. Aquellos personajes que me parecían más interesantes, más magnéticos e incluso heroicos estaban en todas partes”. Diego Soto, director.

“Guatemala es un país que, debido a la herencia de su pasado colonial y el reciente conflicto armado interno que duró treinta años, se encuentra profundamente fracturado a nivel racial, económico y sociopolítico. La ciudad de Guatemala es una ciudad que no perdona; que destruye identidad en vez de construirla, que no permite que exista una comunicación honesta, vulnerable y solidaria entre individuos. Es dentro de este mar de fracturas urbanas que nuestros personajes pretenden navegar. Lo que me interesa es retratar las contradicciones que permean a nuestros personajes en este violento contexto urbano y su deseo por encontrar o construir conexiones interpersonales genuinas en una sociedad contemporánea que no permite que estas se existan”. Sebastián Lojo, director.

A lo largo de la historia hemos visto infinidad de películas que muestran como un hombre se hace hombre, pero no recordamos películas que muestren cómo una chica se hace  mujer. La botera se trata de esto; de cómo una niña de 14 años debe crecer y asumir  su femineidad en un entorno hostil. Durante mi carrera, me interesé particularmente en indagar la sensibilidad de los  mundos femeninos. Mujeres solas en diferentes situaciones adversas que deben salir adelante por sus propios medios. En esta ocasión sentí que el traspaso a convertirnos en mujeres es una de las etapas más delicadas y frágiles de nuestras vidas. Por otra parte, durante mucho tiempo, trabajé con preadolescentes de barrios carenciados y a partir de ahí comencé a notar las dificultades de las chicas para crecer en un ambiente desprovisto de herramientas. De esta manera es que surgió la película, en la que la protagonista se inicia en una búsqueda de identidad en un momento bisagra de su vida”. Sabrina Blanco, directora.

“Antes de pensar en la primer imagen de la película decidí andar el camino de mi propia historia, de mis miedos y ese mar violento, teñido de sangre, en que se ha diluido mi familia. De ahí nace este relato. No es otra cosa más que la historia de mi presente. Fragmentos del anecdotario de mi vida. Somos hijos de la violencia, pero imagino que quizá sea tiempo de cuestionarla y deconstruirla a través de relatos íntimos que se acerquen a escuchar los matices de nuestros sueños y la identidad que respira nuestra forma de nostalgia. Tenemos miedo, pero aún así queremos acudir con toda nuestra humanidad herida y con todo nuestro cariño al acto de contemplar un fragmento de tiempo o un suspiro de amor, que nos recuerde que también eso somos y seremos. Es por ello que esta intención de película emana de la necesidad de reconocernos en la pantalla. De dialogar con pequeñas representaciones o reflejos de nuestra humanidad omitida, tradicionalmente, de los relatos cinematográficos. Pensamos el amor en otro idioma. Pensamos el romance bajo narrativas concebidas en realidades geográficas, económicas e históricas distintas a la nuestra”. Carlos Lenin Treviño.